Biografías. Michelangelo Antonioni.

(1912, Ferrara, Italia)



Nacido en el seno de una burguesía tradicional de provincias, estudia economía y comercio en Bolonia, mientras pinta y escribe crítica de cine en Corriere padano. En Roma colabora en la famosa revista especializada Cinema, dirigida por Vittorio Mussolini, pero cuna del movimiento neorrealista. Tras una breve estancia en el Centro Sperimentale di Cinematografia de Roma, lo abandona para comenzar su vida profesional como ayudante de dirección de Marcel Carné, guionista de Roberto Rossellini, Giuseppe de Santis y Federico Fellini y, sobre todo, realizador de siete cortometrajes entre los que destaca Gente del Po (1947).

Claro deudor de los principios neorrealistas, su cine nace al aplicarlos al comportamiento de la burguesía en la triología que le da a conocer: Crónica de un amor (Cronaca di un amore, 1950), La signora senza camelie (1953) y Las amigas (Le amiche, 1955), adaptación de una novela de Cesare Pavese. Se aparta de esta línea en sus episodios de I vinti (1952) y Amore in cittá (1953) y, en especial, en El grito (Il grido, 1957), que narra el trágico comportamiento sentimental de un obrero mecánico. Aunque estas producciones son un borrador de la famosa triología, integrada por La aventura (L'avventura, 1960), La noche (La notte, 1961) y El eclipse (L'eclisse, 1962), que le lanza y pone de moda el término incomunicabilitá, repetido en los análisis del comportamiento de sus personajes.

A pesar de que El desierto rojo (Deserto rosso, 1964), su primer encuentro con el color, es un evidente paso hacia atrás donde repite temas y situaciones de la triología, le abre las puertas de los mercados de habla inglesa. Rueda en Londres su gran éxito Blow-up (1967), adaptación de un relato de Julio Cortázar, una historia de realidades, y apariencias que le sirve para explorar el mundo de los fotógrafos y la moda, pero que ha envejecido mal. Este éxito le lleva , siempre de la mano del productor italiano carlo Ponti, a rodar en Estados Unidos Zabriskie Point (1970), una especie de parábola sobre el camino hacia la autodestrucción del mundo moderno, y en España El reportero (The Passenger, 1974), su obra más acabada en el plano político y estilístico, pero no obtienen la respuesta deseada. Entre medias rueda La China (Chungkuo, 1973), un documental de lara duración muy discutido.

Ya en plena decadencia, tras un periodo en que no encuentra productores para sus proyectos, hace El misterio de Oberwald (Il misterio di Oberwald, 1980), un fallido experimento sobre técnicas televisivas aplicadas al cine realizado a partir de una obra teatral de Jean Cocteau, e Identificación de una mujer (Identificazione di una donna, 1982), invento de resurrección de su temática de la incomunicabilitá. Posterioremente vuelve a la pintura, mientras bajara proyectos irrealizables.

Biografías. Roger Corman

Roger Corman (1926, Detroit, Estados Unidos)

Estudia ingeniería y se especializa e nfísica y termodinámica. Después de hacer el servicio militar en la Marina, al final de la 2º Guerra Mundial comienza a ejercer su profesión en un puesto importante. Su fascinación por el cine le hace abandonarlo y comenzar de botones en 20th Centry Fox. Enseguida pasa a ser lector de guiones y no tarda en escribirlos y producirlos por irrisorias cantidades de dinero. Al descubrir que la clave del negocio está en la distribución, crea American International Pictures, que llega a ser la compañía independiente de producción y distribución más importante de los sesenta.

Así distribuye, produce y también dirige los atractivos westerns Cinco pistolas (Five Guns West, 1955) y Apache Woman (1955). En 1956 dirige ocho largometrajes con un coste medio de sesenta y cintco mil dólares en menos de die días cada uno y logra beneficios con todos. Crea un eficaz gruopo de técnicos y actores que le permite rodar hasta setenta y ocho planos diarios. Lo curioso es que estos subproductos de la gran industria norteamericana no sólo tienen éxito de público, sino también empiezan a tenerlo de crítica. Como ocurre con los policiacos Machine Gun Kelly (1958) y I., Mobster (1958), pero su obra más famosa de la época es La pequeña tienda de los horrores (The Little Shop of Horros, 1969), que rueda en dos días y una noche sobre un guión escrito en una semana.

Sus películas más conocidas son las que integran la serie basada en cuentos de Edgar Allan Poe, sobre guiones del escritor Richard Matheson. Van desde La caída de la casa Usher (House of Usher, 1960), rodada en quince días por doscientos mil dólares, hasta la máscara de la muerte roja (The Masque of the Red Death, 1964), realizada en cino semanas por algo más de un millón de dólares, sin olvidar El péndulo de la muerte (The Pit and the Pendulum, 1961), La obsesión (The Premature Burial, 1962), Historias de terror (Tales of Terror, 1962), El cuervo (The Raven, 1962) y La tumba de Ligeia (The Tomb of Ligeia, 1964). Entre medias hace la conocida obra antirracista El intruso (The Intruder, 1962) y la antibélica Secreta invasión (The Secret Invansion, 1963).

Sus últimos trabajos como director, ya rodados en condiciones normales, son Los ángeles del infierno (The Wild Angels, 1966), La mantanza del día de san Valentín (The St. Valentine´s Day Massacre, 1966), Mamá sangrienta (Bloddy Mama, 1970) y El barón rojo (Von Richthoffen and Brown, 1970), obras más ambicionsas y menos originales.

Fuente de información: Diccionario de directores de cine. Augusto M. torres. Ediciones del Prado, Madrid, 1992).

Biografías. Friedrich Wihelm Murnau

Friedrich Wihelm Murnau (1888, Bielefeld, Alemania; 1931, Los Ángeles, Estados Unidos)

Su padre, un importante comerciante de tejidos, le regala a los 12 años un teatro de marionestas y se aficiona a hacer representaciones para sus hermanoas. Estudia filología y arte en Berlín, mientras aumenta su interés por el teatro. El gran director Max Reinhardt le e actuar durante una rerpresentación de aficionados y le ofrece estudiar arte dramatico en su escuela y formar parte de su compañia. La Gran Guerra interrumpe sus actividades artísticas y debe combatir en infantería y aviación. Finalizada la contienda le ofrecen dirigir el Pequeño Teatro de Berlín, pero mientras tanto ha intervenido en la realización de algunas películas de propaganda y decide dedicarse al cine.

Debuta con Der Knabe in Blau (1919), al que siguen otros veinte largometrajes realizados durante veinte años, pero le bastan para convertirse en uno de los grandes directores del periodomudo. Tras Satanás (1919), Bajazzo (Sehsucht, 1920), El castillo de Vogelöd (Schloss Vogelód, 1921), su primera obra realmente famosa es Nosferatu, el vampiro (Nosferatu, Eine Symphonie des Grauens, 1922), que en su momento ess un gran fracaso. Su carrera prosigue con La tierra en llamas (Der Brennende Acker, 1922), El nuevo fantomas (Phantom, 1922) y Las finanzas del gran duque (Die Finanzen des Grossherzogs, 1923), antes de llegar a su obra maestra El último (Der Letzte Mann, 1924), con guión de Carl Mayer, fotografía de Karl Freund e interpretación de Emil Jannings, que es una revolución por los movimientos de cámara y ser una de las pocas obras mudas narradsas sólo con imágenes, sin necesidad de intertítulos.

Tras este gran éxito el mismo equipo se lanza a la realización de Tertufo (Tartüff, 1925), sobre la obra teatral de Molière, y Fausto (Faust, 1926), sobre las narraciones de Goethe y Marlowe, caras e importantes producciones. Su fama hace que sea contratado por William Fox para trabajar en Hollywood, donde primero rueda Amanecer (Sunrise, 1927), su otra obra maestra, Los cuatro diablos (Four Devils, 1928) y El pan nuestro de cada día (City Girls, 1929) pero la llegada del sonoro, con el qeu debe rodar esta última, le hace tener divergencias con su productor. Cansado de Hollywood y sus imposiciones, se asocia con el documentalista norteamericano Robert Flaherty para hacer en los Mares del Sur Tabu (1931) en completa libertad, pero por discrepancias de criterio la acaba produciendo y dirigiendo en solitario sobre un guión de ambos. Muere como consecuencia de un accidente de automóvil poco antes del estreno de esta gran película.

Fuente de información: Diccionario de directores de cine. Augusto M. torres. Ediciones del Prado, Madrid, 1992).

Biografías. Andrei Tarkovsky

Andrei Tarkovsky (1932, Savrashye, Unión Soviética; 1986, París, Francia)

Hijo del poeta Arseni Tarkosvky, pasa la infancia rodeado de mujeres, su abuela, su madre y su hermana, al abandonarles su padre. Por deseo de su madre estudia música, pintura y árabe. Después de rabajar durante una temporada como geólogo en Siberia, ingresa e nla escuala de cine de Moscú. Debuta como realizador con un proyecto ajeno, La infancia de Iván (Ivanovo detstvo, 1962), donde sustituye a E. Abálov a los pocos días de rodaje, pero consigue hacer suya la historia del niño destruido por la 2ª Guerra Mundial y darle una peculiar fuerza.

Su éxito le impulsa a escribir con Andrei Konchalovsky y dirigir Andrei Rubleieve (1966), una superproducción de más de tres horas de duración sobre la vida del pintor de iconos del sigle XV, pero esta importante obra tiene problemas con la censura por su carácter religioso y es prohibida durante más de cincuenta años. Solaris (1972), una historia de ciencia ficción basada en una novela del especialista polaco Stanislav Lem, también tiene una importante carga religiosa, pero es la menos lograda de sus películas soviéticas. Con El espejo (Zerkalo, 1974), la más autobiográfica de sus obras, alcanza por primera vez ese estilo experimental que caracteriza sus mejores trabajos y queda muy clara su obsesión por los cuatro elementos: el fuego, el aire, la tierra y el agua. A pesar de que Stalker (1979) es la única de sus plículas que no tienen guió propio y está basada en una novela de ciencia ficción de Arkady y Boris Strugatski, es su obra maestra, aquella donde mejor plasma sus obsesisones y un clima de pesadilla que tanto le fascina.

El tono claramente elitista y religioso de sus películas, dificulta las posibilidades de trabajar en la Unión Soviética y la difusión de sus obras, por ello decide exilisarse y rueda Nostalgia (Nostalghia, 1983) en Italia, pero el reusltado es algo así como una repetición deformada de sus dos películas anteriores. Algo similar ocurre con El sacrificio (Offret, 1986), que rueda ya enfermo en Suecia, con el agravante de tener una excesiva influencia de Ingmar Bergman.

(Fuente de información: Diccionario de directores de cine. Augusto M. Torres. Ediciones del Prado, Madrid, 1992).

Biografías. Sergio Leone.

Sergtio Leone (1929, Roma; 1989, Roma, Italia)

Hijo del realizador del período mudo Vincenzo Leone, que bajo el seudónimo Robert Robertson hace el primer western italiano en 1913, y de la actriz Bice Valerian, estudia derecho antes de empezar a trabajar como ayudante de dirección de conocidos directores italianos y norteamericanos. Por enfermedad de Mario Bonnard acaba Los últimos días de Pompeya (Gli ultimi giorni di Pomeii, 1959), nueva versión de la obra de Lord Lytton, pero no la firma. De forma que su primera película como realizador es El coloso de Rodas (Il colosso di Rodi, 1960), otro pelum rodado en los días de máximo esplendor del género.

Se da a conocer con tres spaghetti western rodados en Almería en muy diferentes condiciones. El primero, Por un puñado de dólares (Per un pugno di dollari, 1964), está hecho con ciertas estrecheces, pero al estar inspirado en Dashiell Hammett, Carlo Goldini y, sobre todo, Yojimbo (1961), de Akira Korosawa, y pederse el juicio entablado por el japonés, no cobra nada por su trabajo. Debido a su éxito, el siguiente, La muerte tenía un precio (Per qualche dollaro in più, 1965), está rodado con dinero y el último, El bueno, el feo y el malo (Il buono, il burto, el cativvo, 1966) ya es una cuidada superproducción donde puede apreciarse su personal estilo. Hasta que llegó su hora (C'era una volta il west, 1968) es un western de larga duración escrito por Bernardo Bertolucci, Dario Argento y el propio realizador, que narra el nacimiento de una nación a través de algunos de sus más significativos personajes e introduce la violencia en el género, le hace evolucionar y de alguna manera acaba con él.

Durante unos años se dedica a la publicidad y la producción, pero al fallar el norteamericano Sam Peckinpah para dirigir ¡Agáchate, maldito! (Giù la testa!, 1971), debe rodarla personalmente con no muy birllantes resultados. Su obra maestra es Erase una vez en América, (1983), donde su minucioso y elaborado estilo alcanza la perfección al contar una romántica y violenta historia de gansgsters en Estados Unidos durante los años de la Prohibición.

(Fuente de información: Diccionario de directores de cine. Augusto M. Torres. Ediciones del Prado, Madrid, 1992).

Biografías. Orson Welles.

Orson Welles (1915, Wisconsin; 1985, Hollywood, Estados Unidos)

Hijo de un ingeniero, inventor y hombre de negocios, y una pianista, estudia en un colegio privado donde dirige y protagoniza treinta obras de teatro. A los 16 años es contratado como actor por el Gate Theater de Dublin y dos años después debuta como actor y director en nueva York, donde poco más tarde tiene gran éxito con sus montajes de Mabeth (1936), de William Shakespeare, con actores negros, y Fausto (1937), de Christopher Marlowe.

En 1937 funda la compañia Mercury Theatre con la que obtiene grandes triunfos en el teatro y la radio. El escandalo creado por su adaptación radiofónica de La guerra de los mundos, de H. G. Weels, el 30 de noviembre de 1938, le vale un contrato de R. K. O. para hacer en completa libertad Ciudadano Kane (Citizen Kane, 1941). En gran parte debido a los ataques de la prensa de William Randloph Hearst, que se ve caricaturizado en el personaje, en Estado Unidos tiene menos éxito del previsto y en Europa sólo comienza su gran adoración crítica cuando se estrena después de la 2ª Guerra Mundial. esto hace que termine su libertad, le alteren el montaje y le añadan un final feliz a El cuarto mandamiento (The Magnificient Ambersosns, 1942), su obra maestra en cuanto une cierto inusual romanticismo a la originalidad de las demás en una brillante adaptación de una novela de Booth Tarkington; y que tanto Estambul (Journey Into Fear, 1942) que termina Norman Foster, como El extranejero (The Strange, 1946), tengan menos interés del que hubiesen alcanzado en otras circunstancias. Tras hacer para Columbia el apreciable policiaco La dama de Shangai (The Lady from Shangahi, 1948), sobre una novelita de Sherwood King, rueda en pocos días y con bajo presupuesto una versión de Macbeth (1945), de William Shakespeare, para Repulbic, para tratar de borrar su fama de lento y despilfarrador. Cansado de Hollywood y temeroso del Comité de Actividades Antinorteamericanas, llega a Europa y rueda las irregulares Otelo (Othello, 1952), de nuevo sobre su querido Shakespeare, en Marruecos, y Mr Arkadin (1955), especie de caricatura de Ciudadano Kane, basada en una novela propia, en España.

De vuelta a Estados Unidos hace para Universal Sed de mal (Touth of Evil, 1958), un policíaco sobre una novelita de Whit Masterson, una de sus más barrocas y brillantes obras, gracias a la ayuda del actor Charlton Heston, pero es un nuevo fracaso comercial. Una vez más en Europa rueda El proceso (The Trial, 1962), una adaptación de la obra de Frank Kafka que poco tiene que ver con él y con su autor; y Campanas a medianoche (Chimes of Midnight, (1965), el mejor de sus trabajos shakesperianos. El resto de su obra está integrada por ambiciosos proyectos inacabados , desde Don Quichote hasta The Other Side of the Wind, y producciones de demasiado bajo presupuesto, como Una historia inmoratal (Une historie inmmortelle, 1968), Fraude (F For Fake, 1973) o Filming Othello (1978), que en gran parte financia personalmente con el dinero que gana en una larga e irregular carrera paralela como actor.

(Fuente de información: Diccionario de directores de cine. Augusto M. Torres. Ediciones del Prado, Madrid, 1992).

Biografías. David Lynch.

David Lynch (1946, Montana, Estados Unidos)

Finalizados sus estudios de bellas artes estudia cine y durante cuatro años, con grandes dificultades económicas, rueda Cabeza borradora (Eraserhead, 1977), una producción independiente donde se encarga del guión la dirección, pero también de la decoración, los efectos especiales y la música. Esta sórdida y personal historia sobre las relaciones entre un hombre y un horrible feto tienen un rstringido, pero sólido éxito, y llaman la atención del actor y productor Mel Brooks, que le confía la dirección de El hombre elefante (The Elephant Man, 1980), una extraña hisotira victoriana que convierte en un bien alegato a favor de los monstruos con influencias del mundo de Tod Browning.

El paso siguiente en su fulgurante carrera es Dune (1984), una carísima adaptación de la famosa novela de ciencia ficción de Fran Hebert producida por Dino de Laurentiis, que se convierte en un enorme tropezón. Incapaz de controlar la superproducción que tiene entre manos, los sucesivos cortes por su excesiva longitud la convierten en un relato incongruente y feo, pero a pesar de su fracaso De Laurentiis le produce una obra personal. Terciopelo azul (Blue Velvet, 1986) está más cerca de sus primero trabajos, narra cómo un universitario se ve envuelto en una compleja hisotroai policiaca y erótica entre una morena y una rubia, pero a pesar de su convencional desarrollo le permite alcanzar gran prestigio. Tras realizar el episodio piloto y producir la discutida y demasiado larga serie de televisión Twin Peaks (1989), vuele a conseguir un éxito peronal con Corazón salvaje (Wild at Heart, 1990), donde narra la tradicional historia de unos amantes criminales que huyen, pero con un excesivo y gratuito barroquismo que quiere convertir en su marca de fábrica.

(Fuente de información: Diccionario de directores de cine. Augusto M. Torres. Ediciones del Prado, Madrid, 1992).

Biografías. Robert Bresson

Robert Bresson (1901, Bramont-Lamothe, Francia)

A lo largo de tan sólo trece películas realizadas durante cuarenta años este pintor perfeccionista, creador de un persona y peculiar estilo cinematográfico, basado en la austeridad y la huida de todo psicologismo, con el que dibuja su visión cristiano jansenista de la vida, su creencia en que ciertos seres excepcionales logran el perdón de sus faltas en el momento de la muerte, se convierte en uno de los grandes clásicos del cine europeo de todos los tiempos.

Debuta durante la ocupación alemana con Les anges du peché (1943), basada en un guión que escribe en colaboración con Jean Giraudoux, a la que sigue Les dames du Bois de Boulogne (1945), adaptación de un texto de Denis Diderot realizada con Jean Cocteau, demasiado influenciadas por el cine francés de la época y rodadas con actores profesionales. Comienza a separarse de sus contemporáneos con Le journal d' un curé de campagne (1950), donde adapta la obra homónima de Georges Bernanos, y Un condenado a muerte se ha fugado (Un condamné a mort s'est echapé, 1956), que escribe a partir de un relato de André Devigny, interpretadas por actores no profesionales, como el resto de su obra. Alcanza por primera vez la perfección en Pickpocket (1959), basadaen un guión propio, donde consigue una exacta correspondencia entre el ascetismo del relato, la sobriedad interpretativa y la austeridad del estilo.

A partir de este momemnto se suceden las obras maestras: Le proces de Jeanne d'Arc (1961) y Al azar de Baltasar (Au hassard Balthazar, 1966), basadas en guiones originales suyos; Mouchette (1967), donde vuelve a adaptar a Bernanos; Une femme douce (1969) y Cuatro noches de un soñador (Quatre nuits d'un reveur, 1971), que escribe a partir de relats deFedor Dostoievski; Lancelot du Lac (1973) y El diablro probablemente (Le diable probablement, 1977), sus últimos guiones originales; y El dinero (L'argent, 1983), sobre la obra de Leon Tolstoi. Con el título Notas sobre el cinematógrafo publica posteriormente una colección de breves aforismos que recogen su credo cinematográfico.

(Fuente de información: Diccionario de directores de cine. Augusto M. Torres. Ediciones del Prado, Madrid, 1992).